▲ Sr. Chinarro está de vuelta con El deseo del genio, una canción de pop luminoso y ritmo vivo impulsada por excelentes riffs de guitarra, una línea de bajo ágil y bien marcada y coros femeninos a cargo de Sandra Rubio. El tema logra un impacto inmediato gracias a una combinación de elementos que puede recordar a hitos de su trayectoria como El idilio, incluido originalmente en Noséqué-Nosécuántos (1998) y reinterpretado de un modo más pausado en este 2026. Con este tema, en el que recurre a la figura del genio de la lámpara para ironizar sobre el paso del tiempo, la rutina y el contraste entre nuestros deseos y la cruda realidad, Antonio Luque nos adelanta el que será ya su vigésimo álbum de estudio, Las fuerzas y los cuerpos.
▲ Brat supuso en 2024 un paso adelante en la faceta más experimental e inventiva de la superestrella pop Charli XCX, y Music, Fashion, Film es el proyecto que viene a consolidar esa senda: un trabajo con una clara apuesta por la tensión estética que se expande más allá del núcleo musical para adentrarse en la imagen, la alta costura y la narrativa visual del cine. Esta visión multidisciplinar se traduce en producciones de estética haute couture —término de la alta costura exclusivo trasladado aquí a un diseño de vestuario único y una factura prohibitiva—, concibiendo cada vídeo como un cortometraje independiente. El electropop sigue siendo el pilar fundamental de su propuesta, pero aquí se enriquece con pasajes experimentales, desarrollos industriales de sintetizador y texturas ambientales de corte cinematográfico. Esta riqueza sonora queda reflejada en una potente serie de piezas audiovisuales: SS26 (un estilizado fashion film de pasarela), Camera (una pieza voyeurista sobre el impacto del flash editorial), Rock Music (un choque entre estética industrial y moda de lujo) y Wink Wink (un clip irónico de montaje hiperdinámico).
▲ a línea de bajo marca el ritmo de Smile, una canción art punk / synth-pop en la que su cadencia bailable se complementa con los toques atmosféricos del sintetizador y una melodía vocal melancólica y sombría.
El tema se presenta con un vídeo directo y minimalista de marcado contraste en blanco y negro, donde la banda ejecuta la canción con apoyo coreográfico y bajo un preciso pulso visual que fluye al compás de la música. El texto refleja la ironía de una sonrisa no motivada por la alegría, sino por el alivio de dejar atrás a alguien que causó dolor: Feliz de no volver a saber de ti jamás. Y si nunca tengo que saber dónde vives, y si nunca tengo que volver a verte... sonreiría... continuaría sonriendo.
Es un sencillo extraído de Series A, el reciente álbum de Patch +, el proyecto musical de un dúo de Nueva York que en 2023 publicó White Paper y que cuenta en su historial, además, con una serie de sencillos editados a partir de 2020.
▲ Brat supuso en 2024 un paso adelante en la faceta más experimental e inventiva de la superestrella pop Charli XCX, y Music, Fashion, Film es el proyecto que viene a consolidar esa senda: un trabajo con una clara apuesta por la tensión estética que se expande más allá del núcleo musical para adentrarse en la imagen, la alta costura y la narrativa visual del cine. Esta visión multidisciplinar se traduce en producciones de estética haute couture —término de la alta costura exclusivo trasladado aquí a un diseño de vestuario único y una factura prohibitiva—, concibiendo cada vídeo como un cortometraje independiente.
El electropop sigue siendo el pilar fundamental de su propuesta, pero aquí se enriquece con pasajes experimentales, desarrollos industriales de sintetizador y texturas ambientales de corte cinematográfico. Esta riqueza sonora queda reflejada en una potente serie de piezas audiovisuales: SS26 (un estilizado fashion film de pasarela), Camera (una pieza voyeurista sobre el impacto del flash editorial), Rock Music (un choque entre estética industrial y moda de lujo) y Wink Wink (un clip irónico de montaje hiperdinámico).
▲ La expectativa de la muerte ha sido siempre un tema de referencia en la expresión artística humana, manifestándose desde las primitivas pinturas y relieves de las cuevas paleolíticas —donde el fin de la vida se ligaba al rito y a la supervivencia— hasta las últimas y abstractas construcciones cibernéticas del arte digital contemporáneo. Los de Dinosaur Jr. no son ajenos a esta preocupación, como ponen en evidencia en su vídeo para Several Got Away, Unos cuantos se escaparon, el tema con el que adelantan There Near, el que será ya el decimotercer álbum de su carrera y que parece prometedor a tenor del impactante tema con el que lo anticipan.
Y es que la perspectiva de la muerte no deja a nadie indiferente, con independencia de las creencias que cada uno pueda tener o no sobre su posible trascendencia, ya que supone un punto final dramático a la existencia individual en este entorno en el que se ha forjado nuestra vida; un tránsito inevitable que Heidegger resumió al indicando que el ser humano está hecho para la muerte y que solo asumiendo ese fin se vive de manera auténtica. Es un hecho incondicional con el que la banda juega haciéndolo descender al desgaste de la convivencia diaria: en la letra, la muerte se entrelaza con el hastío de la rutina, el deseo de escapar del escrutinio del otro -no tienes por qué verme todo el tiempo- y la triste lucidez de saber que ese espacio compartido, por asfixiante que a veces resulte, terminará desapareciendo cuando llegue la hora de dejarlo todo atrás.
Ese mundo del rock que en los 50 surgió con un espíritu juvenil que parecía indestructible, hoy es objeto de necrológicas continuas una vez que muchos de sus pioneros superaron ya la edad en la que la vida sigue siendo posible. Y aunque los componentes de Dinosaur Jr. aún se mantienen en una media de edad en torno a los 60 años, son herederos de una tradición que renovaron al recuperar la crudeza del viejo rock a finales de una década, los 80, en la que predominaban sonidos más sintéticos en el contexto de una música alternativa con fuerte presencia de la new wave. En todo caso, la banda de Amherst mantiene hoy intacta su formación fundacional: el trío original compuesto por J Mascis, Lou Barlow y Murph volvió a unirse en 2005 y, desde entonces, sigue adelante con el proyecto; los tres mismos protagonistas de aquellos ya míticos Dinosaur (1985), You're Living All Over Me (1987) o Bug (1988).
En la pantalla, el tema se resuelve con una buena dosis de resignación y un punto de sarcasmo en el vídeo dirigido por Guy Kozak: una mano gigante baja del cielo para acabar uno a uno con todos los miembros del grupo, que progresivamente se van sumando a esa banda que persiste en su trabajo en un entorno celestial, si bien tras una parada en solitario en el purgatorio en el caso de J Mascis.
No tienes por qué verme, no tienes por qué verme todo el tiempo. Cuando llegue la hora de dejarme, cuando llegue la hora de dejarlo todo atrás. Haz que ocupe tu lugar, unos cuantos se escaparon. Intentarlo vuelve loco a todo el mundo, sueña con algo más que el día de hoy.
█Goldie Boutilier HOW TO BE A LOVER
▲ La cantautora canadiense Goldie Boutilier estrena este mes de julio su nuevo sencillo, HOW TO BE A LOVER, y lo presenta con un videoclip de marcada estética retro. El trabajo adopta la forma de un cortometraje cinematográfico que emula el estilo del cine de terror de bajo presupuesto y serie B de los años 60, con película de textura analógica y una atmósfera macabra y sensual.
En él, una atracción fatal conduce a la artista a una aventura límite con un tipo de aspecto monstruoso: un humanoide de rostro verdoso escamado caracterizado con fauces repulsivas ojos desencajados, que logra reflejar el espíritu de las películas de monstruos clásicas.
El lanzamiento cuenta además con un lyric video en el que la artista interpreta la canción en pantalla mientras se muestran los versos: La caballerosidad se ha vuelto difícil de encontrar. Cuando dices la verdad, está en tus ojos. Sé que tienes ese anhelo. Dime que siempre estoy en tu mente. Dime que sin mí morirías. Dime que soy tu futuro. Dilo dos veces. Cuando todo es caos, tenemos el paraíso.
El tema forma parte del proyecto más reciente de Kristin Kathleen Boutilier. Tras una primera etapa de sonido electropop bajo el nombre de My Name Is Kay (luego abreviado a Kay), se trasladó a París para trabajar como DJ y modelo bajo el seudónimo de Goldilox. Finalmente, recuperó su apellido real para su nuevo apodo artístico al iniciar una nueva fase que culminó en su álbum Goldie Boutilier Presents Goldie Montana (2025), donde ha enriquecido su propuesta musical con desarrollos independientes de tendencia alt-country y una constante fascinación por el imaginario del cine americano de los años 50 y 60, tan presente en esta nueva producción visual.
█Patch + Smile
▲ a línea de bajo marca el ritmo de Smile, una canción art punk / synth-pop en la que su cadencia bailable se complementa con los toques atmosféricos del sintetizador y una melodía vocal melancólica y sombría.
El tema se presenta con un vídeo directo y minimalista de marcado contraste en blanco y negro, donde la banda ejecuta la canción con apoyo coreográfico y bajo un preciso pulso visual que fluye al compás de la música. El texto refleja la ironía de una sonrisa no motivada por la alegría, sino por el alivio de dejar atrás a alguien que causó dolor: Feliz de no volver a saber de ti jamás. Y si nunca tengo que saber dónde vives, y si nunca tengo que volver a verte... sonreiría... continuaría sonriendo.
Es un sencillo extraído de Series A, el reciente álbum de Patch +, el proyecto musical de un dúo de Nueva York que en 2023 publicó White Paper y que cuenta en su historial, además, con una serie de sencillos editados a partir de 2020.
▲ Sr. Chinarro está de vuelta con El deseo del genio, una canción de pop luminoso y ritmo vivo impulsada por excelentes riffs de guitarra, una línea de bajo ágil y bien marcada y coros femeninos a cargo de Sandra Rubio. El tema logra un impacto inmediato gracias a una combinación de elementos que puede recordar a hitos de su trayectoria como El idilio, incluido originalmente en Noséqué-Nosécuántos (1998) y reinterpretado de un modo más pausado en este 2026. Con este tema, en el que recurre a la figura del genio de la lámpara para ironizar sobre el paso del tiempo, la rutina y el contraste entre nuestros deseos y la cruda realidad, Antonio Luque nos adelanta el que será ya su vigésimo álbum de estudio, Las fuerzas y los cuerpos.
▲ La cantautora canadiense Goldie Boutilier estrena este mes de julio su nuevo sencillo, HOW TO BE A LOVER, y lo presenta con un videoclip de marcada estética retro. El trabajo adopta la forma de un cortometraje cinematográfico que emula el estilo del cine de terror de bajo presupuesto y serie B de los años 60, con película de textura analógica y una atmósfera macabra y sensual. En él, una atracción fatal conduce a la artista a una aventura límite con un tipo de aspecto monstruoso: un humanoide de rostro verdoso escamado caracterizado con fauces repulsivas ojos desencajados, que logra reflejar el espíritu de las películas de monstruos clásicas. El lanzamiento cuenta además con un lyric video en el que la artista interpreta la canción en pantalla mientras se muestran los versos: La caballerosidad se ha vuelto difícil de encontrar. Cuando dices la verdad, está en tus ojos. Sé que tienes ese anhelo. Dime que siempre estoy en tu mente. Dime que sin mí morirías. Dime que soy tu futuro. Dilo dos veces. Cuando todo es caos, tenemos el paraíso.
El tema forma parte del proyecto más reciente de Kristin Kathleen Boutilier. Tras una primera etapa de sonido electropop bajo el nombre de My Name Is Kay (luego abreviado a Kay), se trasladó a París para trabajar como DJ y modelo bajo el seudónimo de Goldilox. Finalmente, recuperó su apellido real para su nuevo apodo artístico al iniciar una nueva fase que culminó en su álbum Goldie Boutilier Presents Goldie Montana (2025), donde ha enriquecido su propuesta musical con desarrollos independientes de tendencia alt-country y una constante fascinación por el imaginario del cine americano de los años 50 y 60, tan presente en esta nueva producción visual.
▲ La carrera musical de la cantante, instrumentista y compositora de Norwich Beth Orton comenzó con el álbum Superpinkymandy, grabado en 1993 junto a su pareja de entonces, William Orbit, quien ejerció de productor en un disco de electrónica lanzado exclusivamente en Japón y convertido hoy en una cotizada pieza de culto. Sus colaboraciones con Orbit y The Chemical Brothers marcaron su vinculación a la electrónica y al dance de los 90, si bien su perfil actual se corresponde más con el de una autora que, manteniendo de fondo la frescura y el sentido experimental del género, se ha adentrado en el folk y en el terreno más íntimo de la creación artística.
Esta andadura dentro de la llamada folktronica tuvo su punto de partida en Trailer Park (1996) y la condujo, con Central Reservation (1999), al amplio reconocimiento de la crítica musical dentro de un contexto comercial exquisito y de reconocido talento. Con Daybreaker (2002) entró más abiertamente en las listas de éxito acompañada de celebridades como Johnny Marr, Ryan Adams o Emmylou Harris, de nuevo con la colaboración de William Orbit.
Desde entonces ha transitado por terrenos más orgánicos en discos como Comfort of Strangers (2006) y Sugaring Season (2012), para después reencontrarse con los sintetizadores, las cajas de ritmos y el pulso dance en Kidsticks (2016). Sin embargo, es en este último periodo donde ha fundido todos los elementos que han formado su estilo. Asumiendo también el rol de productora, Orton ha logrado un sonido artesanal y pulido que incorpora elementos jazzísticos y refuerza su marcado carácter íntimo y experimental, avanzando siempre huyendo de patrones reiterativos.
A esta etapa pertenecen Weather Alive (2022) y esa auténtica joya para audiófilos y melómanos que es su reciente The Ground Above: un disco para escuchar de principio a fin, grabado en tomas en directo en el estudio con el apoyo de una instrumentación de jazz. Se trata de un trabajo profundo que aborda la compleja relación entre el amor y el dolor, dos emociones que frecuentemente se superponen e influyen mutuamente: El tiempo se mueve más rápido que el dolor. Siempre pensé que volvería a ver tu rostro. Siempre pensé que volvería a ver tu rostro. E hice lo que sabía que haría. Hice todo lo que te dije que no hicieras. Corría, estaba sola, estaba sola. Estaba sola.
▲ La expectativa de la muerte ha sido siempre un tema de referencia en la expresión artística humana, manifestándose desde las primitivas pinturas y relieves de las cuevas paleolíticas —donde el fin de la vida se ligaba al rito y a la supervivencia— hasta las últimas y abstractas construcciones cibernéticas del arte digital contemporáneo. Los de Dinosaur Jr. no son ajenos a esta preocupación, como ponen en evidencia en su vídeo para Several Got Away, Unos cuantos se escaparon, el tema con el que adelantan There Near, el que será ya el decimotercer álbum de su carrera y que parece prometedor a tenor del impactante tema con el que lo anticipan.
Y es que la perspectiva de la muerte no deja a nadie indiferente, con independencia de las creencias que cada uno pueda tener o no sobre su posible trascendencia, ya que supone un punto final dramático a la existencia individual en este entorno en el que se ha forjado nuestra vida; un tránsito inevitable que Heidegger resumió al indicando que el ser humano está hecho para la muerte y que solo asumiendo ese fin se vive de manera auténtica. Es un hecho incondicional con el que la banda juega haciéndolo descender al desgaste de la convivencia diaria: en la letra, la muerte se entrelaza con el hastío de la rutina, el deseo de escapar del escrutinio del otro -no tienes por qué verme todo el tiempo- y la triste lucidez de saber que ese espacio compartido, por asfixiante que a veces resulte, terminará desapareciendo cuando llegue la hora de dejarlo todo atrás.
Ese mundo del rock que en los 50 surgió con un espíritu juvenil que parecía indestructible, hoy es objeto de necrológicas continuas una vez que muchos de sus pioneros superaron ya la edad en la que la vida sigue siendo posible. Y aunque los componentes de Dinosaur Jr. aún se mantienen en una media de edad en torno a los 60 años, son herederos de una tradición que renovaron al recuperar la crudeza del viejo rock a finales de una década, los 80, en la que predominaban sonidos más sintéticos en el contexto de una música alternativa con fuerte presencia de la new wave. En todo caso, la banda de Amherst mantiene hoy intacta su formación fundacional: el trío original compuesto por J Mascis, Lou Barlow y Murph volvió a unirse en 2005 y, desde entonces, sigue adelante con el proyecto; los tres mismos protagonistas de aquellos ya míticos Dinosaur (1985), You're Living All Over Me (1987) o Bug (1988).
En la pantalla, el tema se resuelve con una buena dosis de resignación y un punto de sarcasmo en el vídeo dirigido por Guy Kozak: una mano gigante baja del cielo para acabar uno a uno con todos los miembros del grupo, que progresivamente se van sumando a esa banda que persiste en su trabajo en un entorno celestial, si bien tras una parada en solitario en el purgatorio en el caso de J Mascis.
No tienes por qué verme, no tienes por qué verme todo el tiempo. Cuando llegue la hora de dejarme, cuando llegue la hora de dejarlo todo atrás.
Haz que ocupe tu lugar, unos cuantos se escaparon. Intentarlo vuelve loco a todo el mundo, sueña con algo más que el día de hoy.
█Olivia Rodrigo you seem pretty sad for a girl so in love
▲ Bajo la influencia del pop alternativo —con una versión de Fontaines D.C. y una colaboración con Robert Smith de The Cure incluidas—, la cantante, compositora y actriz estadounidense Olivia Rodrigo da un paso adelante con su tercer LP, you seem pretty sad for a girl so in love. El disco refleja una mayor madurez emocional, expresa sentimientos encontrados y eleva el terreno de la música de amplia aceptación comercial —en el que ha cosechado éxitos destacados en las listas Billboard estadounidenses— a un nivel de ejecución notable: temas sobrios y brillantemente resueltos, siempre dentro del canon que exige la música más popular, pero aportando al mismo piezas de impacto como drop dead, stupid song, my way, the cure o, junto a Robert Smith, whats wrong with me.
█Yes Aurora
▲ Hubo un tiempo, allá por los setenta, en que la música de la banda londinense Yes brillaba en un panorama donde el rock progresivo se había convertido en un modelo musical inspirador para toda una generación de jóvenes con criterio propio. A pesar de las dificultades para que estos sonidos se abrieran paso en unos medios escasos y orientados a la música fácil para el consumo de masas, aquellos oyentes compraban vinilos y acudían a conciertos siempre que podían. En ese contexto, el rock progresivo actuaba como una forma de crítica a la sociedad de consumo y parecía anunciar la aurora de un movimiento emancipador… que nunca llegó a cristalizar del modo idílico y sublime que sugerían grupos como Yes, banda central de un movimiento en el que también destacaban Genesis, Pink Floyd, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer o Jethro Tull.
De los integrantes de aquella época de máximo esplendor solo permanece en activo, como miembro de la banda, su guitarrista Steve Howe, quien hoy lidera la actividad musical de la marca Yes. Ya no forman parte del proyecto figuras clave como el vocalista Jon Anderson, el baterista Bill Bruford o los teclistas Rick Wakeman y Tony Kaye. A ello se suma la desaparición de tres pilares históricos: el bajista Chris Squire (2015), el guitarrista Peter Banks (2013) y el baterista Alan White (2022). Además, la banda, fiel a su espíritu primigenio, mantiene el logo clásico que la ha acompañado desde los setenta y presenta una portada concebida por Roger y Freyja Dean, una evocación cromática, estilística y temática de aquellas imágenes míticas que el propio Dean creó para LPs como The Revealing Science of God, Long Distance Runaround, Fragile o Roundabout.
El nuevo disco se presenta con un sonido limpio, apoyado por la Orquesta Sinfónica Nacional Checa, que aporta majestuosidad en los pasajes más expansivos. La producción, muy calibrada, otorga a cada instrumento su espacio y evita esos momentos en bloque, algo caóticos, que encontramos en algunos tramos de sus discos clásicos. Y aunque no alcanza el esplendor épico de sus obras tempranas, preserva los rasgos característicos del sonido Yes: los requiebros progresivos, las derivas épicas, la vocalización que mantiene la esencia del estilo de Jon Anderson y el desarrollo complejo e intenso de la guitarra de Steve Howe.
Es un disco que quizá no entusiasme a quienes busquen en él un sonido progresivo y sinfónico vintage anclado en los setenta, pero que probablemente satisfará a quienes han seguido al grupo y reconocen en Aurora un disco ajustado a su momento: una obra que, manteniendo lo esencial de su identidad, consigue actualizarse e incorporar los recursos tecnológicos del presente, sin renunciar a su espíritu purista, a su inclinación espiritual y a su defensa del encuentro con la naturaleza frente a la alienación digital que caracteriza nuestro tiempo.
█Beth Orton The Ground Above
▲ La carrera musical de la cantante, instrumentista y compositora de Norwich Beth Orton comenzó con el álbum Superpinkymandy, grabado en 1993 junto a su pareja de entonces, William Orbit, quien ejerció de productor en un disco de electrónica lanzado exclusivamente en Japón y convertido hoy en una cotizada pieza de culto. Sus colaboraciones con Orbit y The Chemical Brothers marcaron su vinculación a la electrónica y al dance de los 90, si bien su perfil actual se corresponde más con el de una autora que, manteniendo de fondo la frescura y el sentido experimental del género, se ha adentrado en el folk y en el terreno más íntimo de la creación artística.
Esta andadura dentro de la llamada folktronica tuvo su punto de partida en Trailer Park (1996) y la condujo, con Central Reservation (1999), al amplio reconocimiento de la crítica musical dentro de un contexto comercial exquisito y de reconocido talento. Con Daybreaker (2002) entró más abiertamente en las listas de éxito acompañada de celebridades como Johnny Marr, Ryan Adams o Emmylou Harris, de nuevo con la colaboración de William Orbit.
Desde entonces ha transitado por terrenos más orgánicos en discos como Comfort of Strangers (2006) y Sugaring Season (2012), para después reencontrarse con los sintetizadores, las cajas de ritmos y el pulso dance en Kidsticks (2016). Sin embargo, es en este último periodo donde ha fundido todos los elementos que han formado su estilo. Asumiendo también el rol de productora, Orton ha logrado un sonido artesanal y pulido que incorpora elementos jazzísticos y refuerza su marcado carácter íntimo y experimental, avanzando siempre huyendo de patrones reiterativos. A esta etapa pertenecen Weather Alive (2022) y esa auténtica joya para audiófilos y melómanos que es su reciente The Ground Above: un disco para escuchar de principio a fin, grabado en tomas en directo en el estudio con el apoyo de una instrumentación de jazz. Se trata de un trabajo profundo que aborda la compleja relación entre el amor y el dolor, dos emociones que frecuentemente se superponen e influyen mutuamente: El tiempo se mueve más rápido que el dolor. Siempre pensé que volvería a ver tu rostro. Siempre pensé que volvería a ver tu rostro. E hice lo que sabía que haría. Hice todo lo que te dije que no hicieras. Corría, estaba sola, estaba sola. Estaba sola.
▲ Son la cineasta y música de St. Louis Allison Goldfarb y el guitarrista y productor de Montreal Jackson MacIntosh, miembro de TOPS y Drugdealer. Juntos forman Paycheque, dúo afincado en Los Ángeles, y Heatwave es la tercera entrega con la que adelantan su álbum homónimo de debut, definido por un sonido synth‑pop casero, con suspense y un aire retro ochentero salpicado de momentos de tensión guitarrera. El disco muestra abiertamente —según sus propias palabras— influencias del pop de los 80, con baterías tratadas con gate, líneas de guitarra limpias y sintetizadores vintage. La canción se presenta con un vídeo de vertiente artística y espíritu underground dirigido por Ian F. Svenonius.
█Sofie Royer Sesquicentennial
▲ Una pegatina en el parachoques de un camión le sirvió de inspiración para un tema que empezó a componer en el móvil, en un hueco entre conciertos en Texas. La canción comenzó a tomar forma en Los Ángeles, experimentando con sintetizadores vintage y un bajo Jaguar, para terminar de completarse en casa con guitarra y una remezcla a cargo de @mnphb.mp3. Es el proceso de creación íntimo y artesanal que la propia artista detalla en su Instagram para Sesquicentennial —algo así como “150 aniversario”—, segundo adelanto de before/after, el que será el quinto disco de la polifacética Sofie Royer, música y creadora nacida en California y de orígenes austriaco e iraní. Enmarcada en el synth‑pop con un punto experimental y retro que caracteriza su obra, la canción se presenta con un vídeo informal, eleborado a base de tomas en las que aparecen distintas localizaciones en China, entre ellas la Montaña de los Cinco Dedos y la ciudad de Shanghái.
Sesquicentenario, sé que me veré aquí de nuevo
Y supongo que solo el tiempo lo dirá, ¿volverá a ser como antes?
Sesquicentenario, oh, aquí vamos otra vez
Y no puedo luchar contra este sentimiento, sí, me tienes hechizada.
█Jenny Newman Sculpt Her
▲ Jenny Newman juega con la metáfora del escultor en Sculpt Her, una canción que alerta sobre la cosificación de una mujer moldeada por alguien que la transforma en un objeto de fantasía estética y deseo para su propio beneficio. Es un tema de pop con una puesta en escena alternativa que se acompaña de un vídeo dirigido por Emma Josephson —también productora y montadora—, cuya mirada aporta fuerza rítmica y un apoyo conceptual decisivo a este nuevo lanzamiento de la cantante y compositora afincada en Los Ángeles, de la que conocemos, hasta el momento, dos EPs y una serie de singles publicados desde 2022.
Si tú fueras escultor y yo tu prostituta, ¿dejarías de buscar algo más por ahí? Camaleón, cariño, arañas y te apuntas el tanto. Ya no sé qué queda de mí, ya no sé quién soy.
█ Sophia Stel Molly In The Club
▲ Las buenas vibraciones del club siguen marcando el ritmo en la visita de la canadiense Sophia Stel al Acuario de Vancouver, sumergiéndola mentalmente en tanques de agua por los que fluye junto a medusas y peces. Es la psicodelia electrónica de Molly In The Club, un tema de composición y producción propia que presenta tras el éxito de I'll Take It y su aclamado EP de 2024 Object Permanence y su versión deluxe de 2025.
Envidiosa. Porque tú siempre lloras y yo nunca pude. Porque no me hace ningún bien... Envidiosa. Porque tú siempre mientes y yo nunca pude. Y no me hace ningún bien.
▲ Los Cure lo lograron nuevamente después de catorce años: volver a ser el centro de atención en un festival tan cargado de actuaciones estrella como el Primavera Sound de Barcelona. Lo hicieron con un recorrido por muchos de sus grandes hitos, intercalando temas igualmente densos aunque quizá no tan populares entre el público, todos ellos igualmente reconocidos por sus seguidores de siempre. El concierto incluyó temas de prácticamente todas las épocas de la banda, desde los adelantos de su esperado nuevo trabajo, representados por Alone y Endsong, hasta clásicos de su etapa más celebrada: de Disintegration (1989) sonaron Pictures of You, Lovesong, Fascination Street y, ya en los bises, Lullaby; de Wish (1992) High, Trust, From the Edge of the Deep Green Sea y el coreado Friday I’m in Love; de The Head on the Door (1985) interpretaron A Night Like This, In Between Days, Push y Close to Me; de Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me (1987) recuperaron Just Like Heaven, Hot Hot Hot!!! y Why Can’t I Be You?; de Seventeen Seconds (1980) Play for Today y A Forest; y de Three Imaginary Boys (1979) tocaron la canción que los dio a conocer, Boys Don’t Cry. También hubo espacio para piezas fuera de álbumes de estudio, como la cara B 2 Late (1989), el tema de Bloodflowers (2000) The Last Day of Summer, la banda sonora Burn (1994), el single Wrong Number (1997), el luminoso Mint Car de Wild Mood Swings (1996), el contundente alt.end de The Cure (2004), y los clásicos de su etapa temprana Let’s Go to Bed (1982), The Lovecats (1983) y The Walk (1983), completando así un recorrido exhaustivo por más de cuatro décadas de discografía y sumando al mérito de contar con un repertorio excepcional el de mantener un nivel en vivo sorprendentemente alto tras casi medio siglo de actividad.
Su actuación se enmarca en una gira más amplia que prolonga la presentación de Songs of a Lost World, iniciada en 2022 con una explosiva puesta de largo retransmitida en directo y continuada en 2023 y 2024 con conciertos puntuales. En 2026, la banda mantiene una agenda selectiva pero ambiciosa, con próximas apariciones en festivales como north Festival en Oporto (Portugal) Nova Rock en Nickelsdorf (Austria), Firenze Rocks en Florencia (Italia), Pinkpop en Landgraaf (Países Bajos), el Pohoda Festival en Trenčín (Eslovaquia) o Rock en Seine en París (Francia).
▲ Las buenas vibraciones del club siguen marcando el ritmo en la visita de la canadiense Sophia Stel al Acuario de Vancouver, sumergiéndola mentalmente en tanques de agua por los que fluye junto a medusas y peces. Es la psicodelia electrónica de Molly In The Club, un tema de composición y producción propia que presenta tras el éxito de I'll Take It y su aclamado EP de 2024 Object Permanence y su versión deluxe de 2025. Envidiosa. Porque tú siempre lloras y yo nunca pude. Porque no me hace ningún bien... Envidiosa. Porque tú siempre mientes y yo nunca pude. Y no me hace ningún bien.
▲ Hubo un tiempo, allá por los setenta, en que la música de la banda londinense Yes brillaba en un panorama donde el rock progresivo se había convertido en un modelo musical inspirador para toda una generación de jóvenes con criterio propio. A pesar de las dificultades para que estos sonidos se abrieran paso en unos medios escasos y orientados a la música fácil para el consumo de masas, aquellos oyentes compraban vinilos y acudían a conciertos siempre que podían. En ese contexto, el rock progresivo actuaba como una forma de crítica a la sociedad de consumo y parecía anunciar la aurora de un movimiento emancipador… que nunca llegó a cristalizar del modo idílico y sublime que sugerían grupos como Yes, banda central de un movimiento en el que también destacaban Genesis, Pink Floyd, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer o Jethro Tull.
De los integrantes de aquella época de máximo esplendor solo permanece en activo, como miembro de la banda, su guitarrista Steve Howe, quien hoy lidera la actividad musical de la marca Yes. Ya no forman parte del proyecto figuras clave como el vocalista Jon Anderson, el baterista Bill Bruford o los teclistas Rick Wakeman y Tony Kaye. A ello se suma la desaparición de tres pilares históricos: el bajista Chris Squire (2015), el guitarrista Peter Banks (2013) y el baterista Alan White (2022). Además, la banda, fiel a su espíritu primigenio, mantiene el logo clásico que la ha acompañado desde los setenta y presenta una portada concebida por Roger y Freyja Dean, una evocación cromática, estilística y temática de aquellas imágenes míticas que el propio Dean creó para LPs como The Revealing Science of God, Long Distance Runaround, Fragile o Roundabout.
El nuevo disco se presenta con un sonido limpio, apoyado por la Orquesta Sinfónica Nacional Checa, que aporta majestuosidad en los pasajes más expansivos. La producción, muy calibrada, otorga a cada instrumento su espacio y evita esos momentos en bloque, algo caóticos, que encontramos en algunos tramos de sus discos clásicos. Y aunque no alcanza el esplendor épico de sus obras tempranas, preserva los rasgos característicos del sonido Yes: los requiebros progresivos, las derivas épicas, la vocalización que mantiene la esencia del estilo de Jon Anderson y el desarrollo complejo e intenso de la guitarra de Steve Howe.
Es un disco que quizá no entusiasme a quienes busquen en él un sonido progresivo y sinfónico vintage anclado en los setenta, pero que probablemente satisfará a quienes han seguido al grupo y reconocen en Aurora un disco ajustado a su momento: una obra que, manteniendo lo esencial de su identidad, consigue actualizarse e incorporar los recursos tecnológicos del presente, sin renunciar a su espíritu purista, a su inclinación espiritual y a su defensa del encuentro con la naturaleza frente a la alienación digital que caracteriza nuestro tiempo.
