30/11/25

Novedades musicales: noviembre 2025

Novedades musicales en la red. Noviembre en construcción.



En un mes que arrecia el frío, en Espiche encontramos el calor en sonidos como los de Mourn, que regresan con su intensidad cruda; repion, que afianzan su pulso melódico dentro del rock alternativo; Rosalía, siempre sorprendente; 雪国 (Yukiguni), con su delicadeza atmosférica; Tems, que aporta fuerza y sensualidad; Austra, en un regreso de electrónica luminosa; Jordana, con su frescura indie; Ruiseñora, que entrelazan copla y psicodelia; Juana Molina, fiel a su experimentación orgánica; o CISSE, con la energía vibrante del rock japonés.

También destacan vídeos como los de Hen Ogledd y Pipiolas, la reinterpretación del clásico de New Order por Triángulo de Amor Bizarro, o conciertos que confirman la vigencia de iconos como Duran Duran.

Y muchos más, que te detallamos a continuación.



DISCOS



Descripción

█ MOURN
 Letra Ligada
▲ Letra Ligada es el nuevo álbum de los catalanes Mourn, un disco que hace el número seis en su carrera y que es el primero publicado de forma íntegra en castellano, siendo hasta ahora habitual el empleo de letras en inglés. Es un disco limpio y luminoso, que marca un giro hacia lo más pulcro e íntimo dentro de su trayectoria, y que se suma con naturalidad a la lista de los álbumes más destacados del indie nacional. Ha sido producido por el músico y productor noruego Kenneth Ishak, con una cuidada combinación de voces, guitarras, bajo, batería, percusión, teclados y guitarra española.



Descripción

█ Repion
 201
▲ Con una vibrante actuación en el Monkey Week del Puerto de Santa María, las hermanas Marina y Teresa Iñesta dieron muestra de su poderío vocal y de su energía instrumental —en el caso de Teresa, también junto a Aiko el Grupo—, al tiempo que presentaban el nuevo disco de Repion, 201, el segundo LP de una carrera iniciada en 2014 con el EP La lágrima y la naranja. Esa fuerza en vivo se traslada igualmente al álbum, publicado bajo el sello Mushroom Pillow, que mantiene su integridad grunge-pop en temas como X, pero se abre a la diversidad con momentos melódicos de pop brillante como Otro día será, Cerrar los ojos o El sueño dura una semana, y más íntimos como Me sabe a poco. El disco se encuentra disponible en formatos cd y vinilo, este último en dos versiones. el clasico en negro y Glow in the dark vinyl, fabricado con material fosforescente, ideal para coleccionistas. 



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█ ROSALÍA
 LUX
▲ Somos muchos los que, habituados a la densidad informativa de las novedades musicales —inabarcables cuando se pretende ir más allá de las promociones y las publicaciones del entorno más próximo—, asistimos a la saturación de canales repletos de artículos y reportajes dedicados a una sola obra convertida en fenómeno social. Es el caso de Lux, el nuevo disco de Rosalía, sobre el que no ha faltado medio, tertuliano o político que no haya emitido algún comentario oportunista sobre sus supuestas bondades o defectos.
El disco llegó tras una promoción-espectáculo en la Gran Vía de Madrid y la presentación de un sofisticado videoclip, Berghain, que rápidamente superó los 20 millones de visualizaciones en YouTube. Todo ello hacía presagiar una puesta en escena barroca y pretenciosa, propia de las grandes estrellas del espectáculo.
A primera vista, se trata de un disco hiperproducido, en el que la artista despliega su enorme talento para afrontar cualquier género vocal —desde el flamenco a la ópera, pasando por el rap— con una creatividad desbordante. Un producto que, por su ambición y alcance, parece relegar a un segundo plano cualquier otra obra que se publique de aquí al menos hasta final de año. Las colaboraciones de lujo, como la London Symphony Orchestra, Björk, Yves Tumor o Arca, refuerzan esa impresión. El revuelo mediático ha favorecido sin duda la curiosidad de las masas por esta obra —el disco de una artista hispana más reproducido en un solo día en Spotify—, pero también desespera a quienes ven pasar, sin la menor consideración, una ingente cantidad de productos exquisitos que ni se nombran ni tienen eco social.
En todo caso, el desagrado por tanto ruido no debería ser un obstáculo para una escucha atenta y una apreciación serena. Afortunadamente, Lux es mucho más orgánico, variado y lírico de lo que cabría suponer en un primer momento. Es un disco que respira, y con el que uno se reconcilia después de la tormenta, siempre que le dedique algo de paciencia e interés. Su mezcla de estilos —pop multifacético con elementos inspirados en sonidos clásicos como la ópera o el barroco— resulta medida y equilibrada a lo largo de sus quince canciones.



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█ 雪国 (Yukiguni)
 shion
▲ Un tiempo interior mágico, cerrado sobre sí mismo, en el que el pasado se funde en un presente imaginado, toma forma en un sonido minimalista y envolvente, construido con una vocalización evanescente y loops cimbreantes de guitarra, bajo y batería. Es shion, una palabra que sugiere una imagen flotante y sin definir, el título de un disco con doce canciones tan vaporosas como intensas, perfecto para disfrutar en momentos de recogimiento, que hace el segundo en la carrera del trío japonés 雪国 (Yukiguni).



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█ Tems
 Love Is A Kingdom
▲ Una de las delicatessen del mes es, sin duda, Love Is a Kingdom, el nuevo disco de la cantante, compositora y productora nigeriana Temilade Openiyi, conocida artísticamente como Tems. Soul atmosférico y R&B con sabor africano, fruto de un proceso íntegro de escritura, composición y producción. Con bases rítmicas de afrobeat y arreglos electrónicos minimalistas, destaca la voz dulce y vigorosa de Tems, que despliega melodías emocionales donde conviven lo afectivo y lo espiritual. Love Is a Kingdom se suma a otras propuestas afrofuturistas del mes de estética envolvente y contenido íntimo y vertiente mística, como Afterglow de FKA twigs o Cadet de Twin Shadow.



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█ Austra
 Chin Up Buttercup
▲ La electrónica y el eurodance se funden con melodías emocionales y dramatismo lírico en Chin Up Buttercup —algo así como Ánimo, preciosa—, el quinto disco de Austra, el proyecto de la compositora y productora canadiense Katie Stelmanis. El álbum se presenta como una catarsis musical tras una ruptura sentimental, y ha sido precedido por videoclips de adelanto para los temas Math Equation, Siren Song y, más recientemente, Fallen Cloud.



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█ Jordana
 Jordanaland
▲ Jordanaland es el nuevo proyecto de la cantante y productora estadounidense Jordana Nye, conocida como Jordana, que vuelve a deleitarnos con un disco de electrónica de ensueño a base de líneas suaves y emotivas de guitarra y teclados, bases rítmicas limpias y una interpretación vocal dulce y sutil. El disco viene acompañado por el videoclip de Blouse, una de las canciones más evocadoras del mismo; lo dirige el colectivo de Los Angeles Otium con una estética cercana e intimista de encuadres cerrados y una paleta de colores suaves que consigue reflejar visualmente la gratificante experiencia musical.
Me quitas la blusa solo con tu boca, y pienso en casi todo lo que hacemos. Tendidos en la casa, yo durmiendo en el sofá, preguntándome si esto significa algo para ti.



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█ Ruiseñora
 Aurora
▲ Ruiseñora es el nombre del dúo formado por la escritora y cantante extremeña Elia Maqueda y el compositor y productor canario Atilio González. El resultado de su colaboración es un sonido en el que se entrelazan el folk de sus raíces y la electrónica. Tirando de lo mucho bueno y bello de un mundo que se desmorona, han elaborado un LP de diez pistas con canciones que atrapan desde la primera escucha, como Aurora, que da el título al disco, Para no olvidar o Agua seca. En ellas abundan los contrastes dentro de una mezcla en la que caben la copla, el dance y la psicodelia. El álbum se presenta en una edición limitada en vinilo de 12".



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█ Juana Molina
 DOGA
▲ Después de ocho años de Halo (2017), con temas inolvidables como Cosoco, uno de nuestros vídeos favoritos dentro de la lista Espiche Total, la compositora, intérprete y actriz argentina Juana Molina vuelve con un nuevo LP, el octavo de su carrera. DOGA, publicado por el sello independiente Sonamos, es su primer álbum de composiciones nuevas en ocho años, y también el primero producido íntegramente bajo su propio control artístico.
Según detalla la propia artista en su perfil de Bandcamp, el disco comenzó a gestarse en 2019, durante los ensayos de Improviset, una serie de conciertos junto al tecladista Odín Schwartz en los que Molina improvisaba como si estuviera en casa, grabando horas de material irrepetible. Aquel impulso se transformó en un océano de ideas que la artista tardó años en ordenar, paralizada por la magnitud de lo acumulado. En 2022, una estancia en el estudio Sonorámica de Córdoba reactivó el proceso, y en 2024, con la ayuda del productor Emilio Haro, el proyecto tomó forma definitiva. 
DOGA condensaría todas las cualidades que definen la música de Juana Molina: melodías inesperadas, sonidos orgánicos y etéreos, gestos mínimos, armonías austeras y letras que funcionan como capas concéntricas. Un paisaje familiar para su público habitual, pero siempre sorprendente. El álbum, compuesto por diez temas repartidos en cuatro caras de vinilo a 45 rpm, se presenta con una portada de Alejandro Ros y se inscribe automáticamente en ese territorio singular que solo habita Molina: el de una música popular única y de patrón propio.



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█ CISSE
 ROCK KIDS DAYDREAM
▲ Sonido lo-fi que evoca el rock alternativo de los 90. Así suena ROCK KIDS DAYDREAM, el segundo disco de la banda de Kanazawa, CISSE. Cinco temas en japonés que combinan entusiasmo juvenil y melancolía, y que nos sirven como botón de muestra del panorama alternativo del país nipón.


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VÍDEOS


             
  Descripción    

█ Triángulo de Amor Bizarro
 Triángulo de Amor Bizarro

 
▲ Una de las canciones que más recordaremos este año es la de Triángulo de Amor Bizarro, en la que la banda gallega interpreta en nuestro idioma el clásico de New Order que inspiró su nombre. Manteniendo el pulso rítmico synth-pop de la original, la versión se expande con distorsiones guitarreras que le aportan visceralidad y la sitúan con fuerza en el panorama del rock alternativo actual. La letra, inspirada en la original pero reformulada en español, refuerza el carácter propio de la banda. Su soporte visual es un vídeo-collage dirigido por Serjio Soso y filmado en 16 mm, donde se intercalan tomas de marcado sentido estético que combinan naturaleza y tradición gallega con la energía y el espíritu independiente del grupo.




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█ Hen Ogledd
 Scales will fall

▲ Pocos vídeos logran transmitir tanto de un modo tan sencillo como aquel Crimson Star de Hen Ogledd hace cinco años. Ahora regresan con Scales will fall, un clip de 8 minutos y 35 segundos en el que combinan folk, spoken word y arreglos de viento expansivos, primer adelanto de su tercer álbum, DISCOMBOBULATED. El vídeo, que juega con elementos épicos y atuendos de un imaginario ancestral, aporta fuerza visual a un canto de resistencia. La letra remite a las décadas de 1980 y 1990 en el Reino Unido, cuando las mujeres de Greenham Common y los mineros de Durham simbolizaron dos frentes de lucha —el pacifismo feminista y la resistencia obrera—, y enlaza con las reivindicaciones actuales, evocando la necesidad de organización colectiva frente a la avaricia corporativa y las crisis contemporáneas. Lo protagonizan los propios integrantes del grupo (Richard Dawson, Dawn Bothwell, Rhodri Davies y Sally Pilkington), acompañados de un amplio elenco de actores, bajo la dirección del cineasta James Hankins, que recurre a planos largos y a una estética que refuerza la expresión de ritual colectivo.



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█ PIPIOLAS
 soy una estrella!!!

▲ “Una sátira sobre aquello en lo que nos convierte el funcionamiento de la industria, a las actrices que intentamos cumplir nuestros sueños…” Así lo comentan Pipiolas en su Instagram al presentar soy una estrella!!!, uno de los temas que formará parte de su próximo álbum, previsto para 2026. Con aire de italo disco reacondicionado mediante efectos synthpop, la canción se acompaña de un videoclip dirigido por Paula Reyes, integrante del dúo junto a Adriana Ubani.


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Bill Callahan ► The Man I'm Supposed To Be 
Estrogenuinas ► Bea Vapea

EN VIVO



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█ Duran Duran
 Baloise Session 2025- ARTE Concert
▲ El paso del tiempo no parece haber hecho mella en Duran Duran que, con componentes con más de sesenta años a sus espaldas, son capaces de poner en pie un concierto con toda la energía y la pericia vocal e instrumental que los convirtió en una banda de referencia del pop de la new wave en los años ochenta. En este concierto en el Baloise Session, en Suiza, podemos disfrutar de la presencia de cuatro de los componentes originales de la banda reforzados de un brillante apoyo coral femenino, que aporta calidez y dramatismo en canciones más melódicas. Son Simon Le Bon (voz y cara más reconocible del conjunto), Nick Rhodes (teclados), John Taylor (bajo) y Roger Taylor (batería), faltando tan solo uno de los que formó parte de la misma en sus comienzos, el guitarrista Andy Taylor, que no obstante sigue colaborando de forma ocasional con ellos. Con una brillante puesta en escena y un control de sonido excepcional, del que podemos disfrutar plenamente si contamos con un buen sistema a través de su grabación en YouTube en ARTE Concert, Duran Duran se aplica en un espectáculo sonoro de una hora y cuarto de duración, con un amplio repertorio que incluye numerosos temas icónicos, así por ejemplo: Hungry Like the Wolf, A View to a Kill, Ordinary World, Come Undone, Planet Earth, The Reflex, Girls on Film, Wild Boys, Notorious, Rio e incluso el célebre Psycho Killer de los Talking Heads.




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Frankie Rose ► Live on KEXP
Goo Goo Dolls ► NPR Tiny Desk Concert
Imarhan ► Les Concerts Volants - ARTE Concert
Jembaa Groove ► Live on KEXP
Kokoroko ► Festival de Jazz de Leverkusen 2025 - ARTE Concert
Mac DeMarco ► Live on KEXP
MIEN ► Live on KEXP
MJ Lenderman ► Live on KEXP
Pulp ► NPR Tiny Desk Concert
SE SO NEON ► Live on KEXP
The Armed ► Live on KEXP
Viagra Boys ► Live on KEXP
Yin Yin ► Live on KEXP


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7/11/25

Benjamin y Lefebvre: La estetización de la política y la politización de la estética

¿Qué ocurre cuando el arte se convierte en herramienta en tiempos de polarización? Este artículo explora cómo Walter Benjamin y Henri Lefebvre analizaron el papel del arte en la sociedad moderna, entre la estetización de la política y la politización de la estética. Desde la pérdida del aura en la era de la reproducción técnica hasta la revolución de la vida cotidiana, se examina cómo el arte se convierte en campo de disputa ideológica, cultural y emocional. Una reflexión crítica desde la filosofía y la música sobre los usos del arte en contextos de poder y sensibilidad colectiva.


En su ensayo La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica (1936), Walter Benjamin interpreta que el hecho de su reproductibilidad en el mundo contemporáneo supone la pérdida del aura y de la autoridad que hasta entonces se había concedido a la obra artística en cuanto objeto único. En un plano positivo, esto significaba la conversión de lo elitista en popular: la producción artística se hacía accesible a todos y pasaba de ser un bien reservado al culto y la contemplación a integrarse en la vida social. La obra deja de ser objeto de veneración para convertirse en producto de masas, con el potencial y el peligro que eso implica.

En coherencia con sus raíces marxistas y en el marco convulso de su época, Benjamin identificó en el fascismo la culminación de la estetización de la vida política —el uso del arte como propaganda, símbolo y espectáculo de poder—, planteando, en contraposición, un ideal de comunismo que politizara el arte, convirtiéndolo en herramienta crítica y emancipadora. Fue un antagonismo teórico con un matiz tan fino que no todos sabrían ver en aquel momento de contiendas, cuando la cartelería, los símbolos, los uniformes y los himnos se habían convertido en instrumentos comunes de propaganda y exaltación del poder.

Es evidente el trasfondo emocional de toda filiación política, y raro es el grupo de poder o movimiento que no ensalce estéticamente su propio imaginario: símbolos e imágenes que exhiben unidad y fuerza combativa, con el propósito de dotarlo de aura y convertirlo en objeto de culto. Tampoco en nuestro tiempo faltan maniobras de politización que, más que fomentar una ciudadanía crítica y capaz de analizar los productos artísticos, parecen orientarse a un adoctrinamiento de base emocional. El propio Benjamin recordaría en sus Tesis sobre la filosofía de la historia (1940) que “no hay documento de cultura que no lo sea, al mismo tiempo, de barbarie”, recordándonos que en el arte el poder deja siempre su huella.

Otro filósofo cercano a sus ideas y su momento, Henri Lefebvre, profundizaba en ese carácter liberador del arte. Advirtiendo sobre la tentación de la estetización política y la conversión del arte en espectáculo para masas, propuso su empleo para la revolución de la vida cotidiana de los ciudadanos, un fenómeno liberador que daría dimensión estética a la propia existencia. Así, la creación artística moderna habría de ser una práctica emancipadora destinada a reorganizar el espacio, el ritmo y el deseo. Esta propuesta se desarrolla en obras como Crítica de la vida cotidiana (1947) y La producción del espacio (1974), donde Lefebvre defiende una estética que no se limite a la contemplación; una estética de la praxis, capaz de transformar la experiencia urbana y social en una forma de creación compartida.

Era un trazo muy fino dentro del marxismo teórico y académico, que acabaría desdibujado por la poderosa tentación que genera en las élites económicas y políticas —de uno y otro signo— la posibilidad de sacar provecho de la estetización mercantil de sus postulados y de la conversión de la vida social en consumo controlado y espectáculo. Así, en una dirección opuesta al criterio de Lefebvre, el llamado realismo socialista, consolidado a partir de 1934 como canon artístico oficial de la Unión Soviética, redujo la creación a un modelo idealizado con una función instructiva al servicio del Estado. Era una subordinación del arte a la doctrina que chocaba con el anhelo de Lefebvre de preservar su función crítica y su capacidad para reinventar la vida cotidiana.

Aunque la palabra política resulta incómoda a muchos por su banalización y descrédito en el contexto partidista, no cabe duda de su alcance social, también en el ámbito artístico, pues toda creación conlleva una interpretación de la experiencia humana: una manera de pensar, sentir y representar la realidad. El análisis de un producto artístico implica, en mayor o menor medida, atender a sus componentes ideológicos: qué visión del mundo transmite, qué tipo de sensibilidad fomenta y a qué valores sirve su forma. Más allá de la voluntad interpretativa, no faltan quienes ven en el terreno de la creación artística la oportunidad de instrumentalizar sus productos y ponerlos al servicio de los intereses de una determinada élite o grupo de poder.

La rivalidad por el poder fomenta una polarización que, en las sociedades occidentales, sigue trazando líneas divisorias entre derecha e izquierda. Tradicionalmente, el posicionamiento social ha servido para explicar ese fenómeno: la derecha apelando a la cualificación y al mérito como fundamento del rango; la izquierda, señalando los privilegios de las clases altas. Sin embargo, la creciente permeabilidad social y la idealización de los postulados ideológicos han desdibujado esa correlación entre clase y pensamiento político, dando lugar a identificaciones que escapan a la regla.

En la actualidad, las líneas divisorias parecen sustentarse menos en la posición social que en diferencias de índole ideológica, emocional y cultural: distintas maneras de entender la vida, de ordenar las prioridades y de establecer las escalas de valores. Es como si la ideología dependiese exclusivamente de la sensibilidad, el temperamento o la agudeza mental de cada individuo, al margen de las condiciones materiales y los mecanismos de control que las determinan.

En este contexto ideologizado, el factor emocional adquiere un protagonismo decisivo. Las estrategias de comunicación política y mediática se orientan a activar miedos y anhelos, a generar recelos o confianzas, de modo que el ciudadano acabe apoyando a quien mejor gestione sus emociones más que a quien proponga soluciones racionales o estructurales.

Frente a las visiones integradoras de emancipación social, predominan hoy esquemas grupales definidos por afinidades ideológicas y modos de vida enfrentados. Un enfrentamiento que no se orienta tanto a la crítica de las condiciones sociales y su transformación, como a imponer los propios modelos de sensibilidad, culto, humor, forma de goce o estilo de vida.

De cara a la galería, parece mantenerse la pugna clásica entre proyectos políticos que compiten por la mejor gestión del interés común; pero, bajo esa superficie, se desliza una lógica más sutil: la idea de que el beneficio social depende de la alineación personal con uno u otro bloque. En este marco, la emancipación y el bienestar dejan de concebirse como fines colectivos y se vinculan al ejercicio del poder —a la satisfacción de unos a costa de la desazón de otros.

En lo que esto concierne a un blog musical que se limita a hacerse eco de aquellos productos musicales más sugerentes desde su punto de vista, un blog centrado en la vertiente lúdica pero sin pasar por alto la valorativa, resulta importante tomar en consideración los múltiples condicionantes a los que están sometidos esos productos de los que nos nutrimos como oyentes: condicionamientos comerciales y también políticos; palpables en los regímenes autocráticos, pero más difíciles de detectar en sistemas plurales como el nuestro.

En este sentido, resulta deseable no hacer de las sensibilidades propias un dogma y admitir la diversidad de modos de vivir la experiencia estética: sentir, desear, dotar de ritmo y forma a su expresión artística. Como dirían Benjamin y Lefebvre, se trata de favorecer el poder creador del arte frente a su domesticación mediática: escuchar, mirar y pensar de manera que la experiencia estética se preserve como una forma de libertad.

Respecto al valor social concedido en los medios y en las redes, conviene distinguir entre la meditación crítica y la exploración serena —que permiten situar una obra en el contexto de la vida cotidiana y calibrar su verdadero alcance— y la clasificación inmediata e instrumental, fruto de la polarización cultural. No caer en compentarios sesgados, basados en aspectos superficiales: la oportunidad del mensaje, las etiquetas sociales asociadas a estilos o estéticas, o las condiciones individuales del artista —género, edad, origen social o relatos personales—, criterios que poco tienen que ver con el valor poético o transformador de la obra.

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